TITULO ORIGINAL
Abre los ojos
AÑO
1997
DURACIÓN
117 min.
PAÍS
DIRECTOR
Alejandro Amenábar
GUIÓN
Alejandro Amenábar & Mateo Gil
MÚSICA
Alejandro Amenábar & Mariano Marín
FOTOGRAFÍA
Hans Burmann
REPARTO
Eduardo Noriega, Penélope Cruz, Chete Lera, Fele Martínez, Najwa Nimri, Tristán Ulloa
PRODUCTORA
Coproducción España-Francia-Italia; Las producciónes del Escorpión S.L. / Sogetel / Les Films Alain Sarde / Lucky Red
Sinopsis:
César es un joven de 25 años, atractivo, huérfano y adinerado, que ha heredado de su familia lucrativos negocios de hostelería. La película mezcla fragmentos de la vida real del personaje, con sueños que el tiene y con alguna que otra paranoia. Por este motivo he creído que la mejor manera de explicar lo que ocurre en el film sea, no al detalle pero más o menos, por secuencias.
En la primera escena de la película vemos a César en la cama, le suena el despertador y se oye una voz femenina que le susurra: “abre los ojos” repetidas veces, es el despertador. César se levanta, se ducha, se viste y se sube a su coche, un escarabajo descapotable. Cuando está conduciendo por las calles se da cuenta de que en ninguna de ellas se oye ni un ruido, no hay ni una persona…, la película pasa en Madrid con lo que resulta bastante extraño que a las 10 de la mañana no haya ni un alma en las calles. César llega a la Gran Vía madrileña, una de las más concurridas de la ciudad y se da cuenta de que los semáforos funcionan pero él está completamente solo. Es un sueño. Se despierta de nuevo con la misma frase y vuelve a hacer lo mismo que había soñado: ducharse, vestirse y coge el coche. En este momento oímos a Cesar en off que habla con alguien y al que le cuenta este sueño de la Gran Vía.
César empezó a mezclar caras y tiempos hasta llegar al embrollo presente. Duverne le propone que despierte de su sueño y viva una vida plena en el presente, es decir, ciento cincuenta años después de su muerte. Un tiempo en el que operarlo para restituir su antiguo rostro es un trabajo fácil. Pero, ¿cómo despertar?, pues volviendo a morir.
César se lanza torre abajo hasta que, como al principio y a mitad de la película, se hace la oscuridad para mostrarnos el punto de vista subjetivo de alguien al que una voz de mujer le dice “Abre los ojos, abre los ojos.”
En el año 2001 se rodó en Estados Unidos Vanilla Sky, un remake en inglés de Abre los ojos, en el que Penélope Cruz volvió a interpretar el papel de Sofía.
Alejandro Amenábar ha negado cualquier influencia sobre la película de la novela de ciencia ficción Ubik (1969), de Philip K. Dick, con la que guarda algunas similitudes.
miércoles, 27 de mayo de 2009
PELICULA LOS OTROS:
PRODUCTOR:
Fernando Bovaira, Jose Luis Cuerda y Sunmin Park
MUSICA:
Alejandro Amenábar
FOTOGRAFÍA:
Javier Aguirresarobe
MONTAJE:
Nacho Ruiz Capillas
UPLOAD:
Crypt_Keeper
SI
SINOPSIS: Jersey, en el Canal de La Mancha, en 1945. La II Guerra Mundial ha terminado pero el marido de Grace no vuelve. Sola en un aislado caserón victoriano, educa a sus hijos dentro de estrictas normas religiosas. Los niños sufren una extraña enfermedad: no pueden recibir directamente la luz del día. Los tres nuevos sirvientes que se incorporan a la vida familiar deben aprender una regla vital: la casa estará siempre en penumbra; nunca se abrirá una puerta si no se ha cerrado la anterior. El estricto orden que Grace ha impuesto hasta entonces será desafiado. Grace, los niños y quienes les rodean darán un paso inesperado y definitivo.
El suspenso se mantiene en toda la película, la música es fundamental para mantener la tención de lo que se viene. Además resalto que la iluminación juega un papel muy importante en toda la película
Logró una obra maestra llena de atmósferas en la que, con la precisión de quien sabe cómo contar una historia, nos ofrece una visión meticulosa y estudiada donde el suspenso es constante y los temores que todos hemos tenido (la oscuridad, los ruidos en la noche, la posibilidad de que exista un "algo" tenebroso más allá de lo que podemos -queremos- creer) salen a flote y nos obligan a brincar en nuestro asiento, a maravillarnos, a reír nerviosamente, a sorprendernos, sudar frío y destilar adrenalina, pero -sobre todo- a disfrutar de una gran, gran cinta.
Fernando Bovaira, Jose Luis Cuerda y Sunmin Park
MUSICA:
Alejandro Amenábar
FOTOGRAFÍA:
Javier Aguirresarobe
MONTAJE:
Nacho Ruiz Capillas
UPLOAD:
Crypt_Keeper
SI
SINOPSIS: Jersey, en el Canal de La Mancha, en 1945. La II Guerra Mundial ha terminado pero el marido de Grace no vuelve. Sola en un aislado caserón victoriano, educa a sus hijos dentro de estrictas normas religiosas. Los niños sufren una extraña enfermedad: no pueden recibir directamente la luz del día. Los tres nuevos sirvientes que se incorporan a la vida familiar deben aprender una regla vital: la casa estará siempre en penumbra; nunca se abrirá una puerta si no se ha cerrado la anterior. El estricto orden que Grace ha impuesto hasta entonces será desafiado. Grace, los niños y quienes les rodean darán un paso inesperado y definitivo.
El suspenso se mantiene en toda la película, la música es fundamental para mantener la tención de lo que se viene. Además resalto que la iluminación juega un papel muy importante en toda la película
Logró una obra maestra llena de atmósferas en la que, con la precisión de quien sabe cómo contar una historia, nos ofrece una visión meticulosa y estudiada donde el suspenso es constante y los temores que todos hemos tenido (la oscuridad, los ruidos en la noche, la posibilidad de que exista un "algo" tenebroso más allá de lo que podemos -queremos- creer) salen a flote y nos obligan a brincar en nuestro asiento, a maravillarnos, a reír nerviosamente, a sorprendernos, sudar frío y destilar adrenalina, pero -sobre todo- a disfrutar de una gran, gran cinta.
Tesis
PELICULA TESIS:
TITULO: Tesis
LUGAR Y AÑO: España 1996GENERO: TerrorDURACION: 126 MinutosDIRECTOR: Alejandro AmenábarGUIÓN: Alejandro AmenábarPRODUCTOR: José Luis CuerdaMÚSICA: Alejandro Amenábar y Mariano MarínFOTOGRAFÍA: Hans BurmanMONTAJE: María Elena Sáinz De Rozas
Ángela prepara una tesis sobre la violencia audiovisual. Figueroa, su director de tesis, descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Ángela y Chema, un compañero de facultad, deciden llevarse la cinta, descubriendo que se trata de una "snuff-movie" en la que una chica es torturada y asesinada. Un mundo audiovisual diferente y peligroso se abre ante ellos. Ángela puede ser la protagonista de la siguiente "snuff-movie".
Análisis Técnico: En la estructura interna de la película se distingue una gran y
confusa división en torno a la mitad de la cinta.
En una primera fase, el hecho del snuff en sí mismo,
la presentación de los personajes y la iniciación de
Ángela y del público al concepto de violencia cinematográfica
se tornan en las líneas generales sobre las que se filma la película. Llegados a este punto, me gustaría subrayar el hecho de que se nos cuente la historia con una intención docente, instructiva.
La historia está contada de forma que el punto de vista lo lleva Ángela, así nos explican todo lo necesario en torno al snuff para comprender la película. Ángela sabe lo mismo que nosotros.
Sin embargo en este largometraje ocurre lo contrario. Quizá sea consecuencia de la propia originalidad del guión. Seguro que muchos de ustedes conocerán por primera vez el Cine snuff gracias a esta película.
El Director debe tener en cuenta la plausible ignorancia snuff del público, y combatirla con esta actitud narrativa.
La segunda parte supone una caída del interés general de la película. La idea está contada. El espectador conoce ya lo que es y representa el snuff. Sólo queda removerlo todo y buscar un trepidante ritmo al que acomodar la historia con objeto de encuadrarla en el género del thriller. Eso sí, un thriller perfectamente escrito.
La película es una obra clásica de suspense, con muchos cambios bruscos de guión, varios finales falsos, una labor de dirección muy recargada y un trabajo interpretativo excelente.
En definitiva, Tesis supone otra forma más de estudio del alma humana desde una nueva óptica; introduciendo un nuevo tipo de Cine a debate, buscando (pero no resolviendo) un conflicto moral que seguro daría para más con un guión ciertamente investigador. Tenemos la sensación de que una idea tan original como es el tema snuff no ha sido profundamente tratado y se ha quedado en contar una historia con el snuff como fondo, mas no como objeto. Siempre es más saludable disfrutar de una ficción enfermiza que de una realidad decididamente cancerígena.
TITULO: Tesis
LUGAR Y AÑO: España 1996GENERO: TerrorDURACION: 126 MinutosDIRECTOR: Alejandro AmenábarGUIÓN: Alejandro AmenábarPRODUCTOR: José Luis CuerdaMÚSICA: Alejandro Amenábar y Mariano MarínFOTOGRAFÍA: Hans BurmanMONTAJE: María Elena Sáinz De Rozas
Ángela prepara una tesis sobre la violencia audiovisual. Figueroa, su director de tesis, descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Ángela y Chema, un compañero de facultad, deciden llevarse la cinta, descubriendo que se trata de una "snuff-movie" en la que una chica es torturada y asesinada. Un mundo audiovisual diferente y peligroso se abre ante ellos. Ángela puede ser la protagonista de la siguiente "snuff-movie".
Análisis Técnico: En la estructura interna de la película se distingue una gran y
confusa división en torno a la mitad de la cinta.
En una primera fase, el hecho del snuff en sí mismo,
la presentación de los personajes y la iniciación de
Ángela y del público al concepto de violencia cinematográfica
se tornan en las líneas generales sobre las que se filma la película. Llegados a este punto, me gustaría subrayar el hecho de que se nos cuente la historia con una intención docente, instructiva.
La historia está contada de forma que el punto de vista lo lleva Ángela, así nos explican todo lo necesario en torno al snuff para comprender la película. Ángela sabe lo mismo que nosotros.
Sin embargo en este largometraje ocurre lo contrario. Quizá sea consecuencia de la propia originalidad del guión. Seguro que muchos de ustedes conocerán por primera vez el Cine snuff gracias a esta película.
El Director debe tener en cuenta la plausible ignorancia snuff del público, y combatirla con esta actitud narrativa.
La segunda parte supone una caída del interés general de la película. La idea está contada. El espectador conoce ya lo que es y representa el snuff. Sólo queda removerlo todo y buscar un trepidante ritmo al que acomodar la historia con objeto de encuadrarla en el género del thriller. Eso sí, un thriller perfectamente escrito.
La película es una obra clásica de suspense, con muchos cambios bruscos de guión, varios finales falsos, una labor de dirección muy recargada y un trabajo interpretativo excelente.
En definitiva, Tesis supone otra forma más de estudio del alma humana desde una nueva óptica; introduciendo un nuevo tipo de Cine a debate, buscando (pero no resolviendo) un conflicto moral que seguro daría para más con un guión ciertamente investigador. Tenemos la sensación de que una idea tan original como es el tema snuff no ha sido profundamente tratado y se ha quedado en contar una historia con el snuff como fondo, mas no como objeto. Siempre es más saludable disfrutar de una ficción enfermiza que de una realidad decididamente cancerígena.
lunes, 25 de mayo de 2009
underground
UNDERGROUND
Año de producción: 1995
Dirección: Emir Kusturica
Intérpretes: Miki Manojlovic,
Lazar Ristovski, Mirjana Jokovic,
Slavko Stimac, Ernst Stötzner,
Bora Todorovic, Srdjan Todorovic,
Mirjana Karanovic, Milena Pavlovic,
Emir Kusturica.
Guión: Dusan Kovacevic, Emir Kusturica
Música: Goran Bregovic
Fotografía: Vilko Filac
Duración: 170 min.
Público apropiado: Jóvenes-adultos
Género: Tragicomedia
Contenidos: Acción 2, Amor 1,
Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 2, Violencia 1 [de 0 a 4]
Underground, conocida también bajo el título Érase una vez un país, es una película de cine europeo dirigida por Emir Kusturica sobre la historia de 50 años de Yugoslavia. La película está dividida en 3 partes o actos: 1ª Parte: La Guerra (refiriéndose a la Segunda Guerra Mundial); 2ª Parte: La Guerra Fría (El periodo en que gobierna Tito); 3ª Parte: La Guerra (refiriéndose a las Guerras Yugoslavas)
El director Emir Kusturica asombró al mundillo cinematográfico con esta magna obra sobre cincuenta años de historia de su país, la extinta Yugoslavia. El jurado del Festival de Cannes se rindió a la audaz propuesta de Kusturica y le otorgó, merecidamente, la Palma de Oro en 1995. A través de la relación de tres personajes principales y sus camaradas, la película ofrece al espectador una visión absolutamente singular de la idiosincrasia balcánica. Marko, quizá el personaje que aúna a todos los demás, es un truhán oportunista que sólo piensa en el provecho personal. Cualquier situación, por triste que parezca, le ofrece una ocasión de enriquecerse, y la guerra le convierte en un traficante de armas. Su compadre, denominado "El negro", es un bruto electricista, más idealista e ingenuo que su amigo, que únicamente piensa en salvar a su patria de los opresores. Y entre los dos, está la bella Natalia, una actriz de tres al cuarto, que con tal de triunfar se unirá a quien haga falta. Durante la Segunda Guerra Mundial, los tres amigos y toda su tropa se esconden en un refugio bajo suelo para huir de los bombardeos, pero Marko mantiene la farsa durante muchos, muchos, muchos años.
Kusturica entrega un film vasto, embriagador y enormemente creativo, que abarca tres importantes hitos a los largo de 50 años de la Yugoslavia del siglo XX, introducidos en el film a modo de capítulos, y que equivalen a: 1) La II Guerra Mundial 2) La Guerra Fría, y 3) La Guerra de los Balcanes. Los personajes no son nada ejemplares, sino al revés: son pendencieros, inmorales, frívolos, traidores..., pero cada uno a su modo logra hacerse simpático y entrañable al espectador, gracias al perpetuo tono tragicómico de la narración. Todo el film tiene lógicamente una lectura satírica acerca de los acontecimientos, tantas veces trágicos y crueles, que modelan la vida humana.
Kusturica enriquece la narración con multitud de elementos surrealistas o claramente fantásticos, muy cómicos y delirantes, con un estilo muy felliniano, junto con imágenes visualmente maravillosas, como las que recogen los encuentros subacuáticos o la vida en los interminables túneles subterráneos, con las bellas metáforas que sugieren. La puesta en escena es sencillamente magistral y todo está imbuido de exceso y barroquismo, con una música prácticamente omnipresente. Y los actores están soberbios, sobre todo Miki Manojlovic. Underground es un film difícil de olvidar, quizá cansino, excesivamente frívolo y demasiado largo por momentos, pero a la vez de una solidez impresionante.
Año de producción: 1995
Dirección: Emir Kusturica
Intérpretes: Miki Manojlovic,
Lazar Ristovski, Mirjana Jokovic,
Slavko Stimac, Ernst Stötzner,
Bora Todorovic, Srdjan Todorovic,
Mirjana Karanovic, Milena Pavlovic,
Emir Kusturica.
Guión: Dusan Kovacevic, Emir Kusturica
Música: Goran Bregovic
Fotografía: Vilko Filac
Duración: 170 min.
Público apropiado: Jóvenes-adultos
Género: Tragicomedia
Contenidos: Acción 2, Amor 1,
Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 2, Violencia 1 [de 0 a 4]
Underground, conocida también bajo el título Érase una vez un país, es una película de cine europeo dirigida por Emir Kusturica sobre la historia de 50 años de Yugoslavia. La película está dividida en 3 partes o actos: 1ª Parte: La Guerra (refiriéndose a la Segunda Guerra Mundial); 2ª Parte: La Guerra Fría (El periodo en que gobierna Tito); 3ª Parte: La Guerra (refiriéndose a las Guerras Yugoslavas)
El director Emir Kusturica asombró al mundillo cinematográfico con esta magna obra sobre cincuenta años de historia de su país, la extinta Yugoslavia. El jurado del Festival de Cannes se rindió a la audaz propuesta de Kusturica y le otorgó, merecidamente, la Palma de Oro en 1995. A través de la relación de tres personajes principales y sus camaradas, la película ofrece al espectador una visión absolutamente singular de la idiosincrasia balcánica. Marko, quizá el personaje que aúna a todos los demás, es un truhán oportunista que sólo piensa en el provecho personal. Cualquier situación, por triste que parezca, le ofrece una ocasión de enriquecerse, y la guerra le convierte en un traficante de armas. Su compadre, denominado "El negro", es un bruto electricista, más idealista e ingenuo que su amigo, que únicamente piensa en salvar a su patria de los opresores. Y entre los dos, está la bella Natalia, una actriz de tres al cuarto, que con tal de triunfar se unirá a quien haga falta. Durante la Segunda Guerra Mundial, los tres amigos y toda su tropa se esconden en un refugio bajo suelo para huir de los bombardeos, pero Marko mantiene la farsa durante muchos, muchos, muchos años.
Kusturica entrega un film vasto, embriagador y enormemente creativo, que abarca tres importantes hitos a los largo de 50 años de la Yugoslavia del siglo XX, introducidos en el film a modo de capítulos, y que equivalen a: 1) La II Guerra Mundial 2) La Guerra Fría, y 3) La Guerra de los Balcanes. Los personajes no son nada ejemplares, sino al revés: son pendencieros, inmorales, frívolos, traidores..., pero cada uno a su modo logra hacerse simpático y entrañable al espectador, gracias al perpetuo tono tragicómico de la narración. Todo el film tiene lógicamente una lectura satírica acerca de los acontecimientos, tantas veces trágicos y crueles, que modelan la vida humana.
Kusturica enriquece la narración con multitud de elementos surrealistas o claramente fantásticos, muy cómicos y delirantes, con un estilo muy felliniano, junto con imágenes visualmente maravillosas, como las que recogen los encuentros subacuáticos o la vida en los interminables túneles subterráneos, con las bellas metáforas que sugieren. La puesta en escena es sencillamente magistral y todo está imbuido de exceso y barroquismo, con una música prácticamente omnipresente. Y los actores están soberbios, sobre todo Miki Manojlovic. Underground es un film difícil de olvidar, quizá cansino, excesivamente frívolo y demasiado largo por momentos, pero a la vez de una solidez impresionante.
jueves, 26 de febrero de 2009
CINE DEBATE "PELICULA PSICOSIS"
UNIVERSIDAD CRISTIANA LATINOAMERICANA
ESCUELA DE COMUNICACIONES
APRECIACION CINEMATOGRÁFICA
SEPTIMO SEMESTRE
VERÓNICA ARANDI
CINE DEBATE:
PELICULA PSICOSIS
ARGUMENTO:
Psicosis es una película dirigida por Alfred Hitchcock en el año 1960. La película se ha convertido en un clasico del cine de terror y suspenso, con el guión de Joseph Stefano. Se basa en la novela del mismo nombre de Robert Bloch, que a su vez fue inspirada por los crímenes del asesino en serie de Wisconsin Ed Gein. La película describe el encuentro entre una secretaria, Marion Crane (Janet Leigh), que se encuentra en la clandestinidad en un motel después de malversación de fondos de su empleador, y el propietario del motel, Norman Bates (Anthony Perkins).
Inicialmente recibió comentarios mixtos pero, incitando a una nueva revisión, se hizo una que fue muy positiva y dio lugar a cuatro nominaciones a los Premios de la Academia. Considerada hoy como una de las mejores películas de Hitchcock, y elogiada como una obra de arte cinematográfica de la crítica internacional, Psicosis también ha sido aclamada como una de las películas de terror más eficaces. Se trata de una película en la que cada escena es casi legendaria, y muchas han sido copiadas o hecha parodias. La película dio lugar a varias secuelas y un remake, que generalmente son vistas como obras de menor calidad.
"La Escena de la Ducha" ha sido estudiada, debatida, y citó innumerables veces en forma impresa y en cursos de cine con mucho debate sobre por qué es tan aterradora y la forma en que se produjo, incluyendo cómo pasó la censura y el debate sobre quién realmente la dirigió.
Esta es la película, seguramente, más famosa de Alfred Hitchcock, además de la más terrorífica, aunque el propio director la calificara como una comedia. Psicosis era una novela de poca tirada de un escritor apenas conocido, Robert Bloch. Este escritor pasaría del anonimato a la fama cuando Hitchcock leyó su novela, compró los derechos y la llevó al cine, no sin problemas, ya que al principio iba a ser una película producida por la Paramount, dejó de serlo en el momento en el que los dirigentes tuvieron la novela y decidieron no producirla. Hitchcock se había quedado sólo con un proyecto en el que apostaba firmemente pero en el que nadie creía, por lo que decidió financiarla el mismo. Con un equipo televisivo, actores no muy conocidos y mucha voluntad, filmó una película impresionante que rompería taquillas y que, años más tarde, se convertiría en una de las películas mejores del cine.
Rodada en blanco y negro para aumentar el ambiente sombrío de la historia, Psicosis es una película pura en la que el espectador no sólo queda aterrorizado por la historia y sus consecuencias, sino también maravillado por la música, fotografía e interpretaciones. Objeto de muchas versiones, remakes e imitaciones, Psicosis ha sido siempre una película vanguardista que cambió en su día radicalmente, el cine de terror. Recibió cuatro nominaciones al Oscar, correspondientes a las categorías de mejor director, actriz secundaria, fotografía en blanco y negro y decoración en blanco y negro.
Comentario:
Un clásico imperecedero que destila cine puro por los cuatro costados y con el que Hitchcock consiguió, a partir de una historia sencilla, unos personajes poco atractivos y un guión que hasta se podría clasificar de convencional una apasionante obra visual que alcanza las más altas cotas de emoción mediante el uso de la técnica exclusivamente y la inventiva visual que tanto caracterizó la carrera de uno de los directores que más principios de cómo narrar cinematográficamente ha aportado en la historia del cine.
ESCUELA DE COMUNICACIONES
APRECIACION CINEMATOGRÁFICA
SEPTIMO SEMESTRE
VERÓNICA ARANDI
CINE DEBATE:
PELICULA PSICOSIS
ARGUMENTO:
Psicosis es una película dirigida por Alfred Hitchcock en el año 1960. La película se ha convertido en un clasico del cine de terror y suspenso, con el guión de Joseph Stefano. Se basa en la novela del mismo nombre de Robert Bloch, que a su vez fue inspirada por los crímenes del asesino en serie de Wisconsin Ed Gein. La película describe el encuentro entre una secretaria, Marion Crane (Janet Leigh), que se encuentra en la clandestinidad en un motel después de malversación de fondos de su empleador, y el propietario del motel, Norman Bates (Anthony Perkins).
Inicialmente recibió comentarios mixtos pero, incitando a una nueva revisión, se hizo una que fue muy positiva y dio lugar a cuatro nominaciones a los Premios de la Academia. Considerada hoy como una de las mejores películas de Hitchcock, y elogiada como una obra de arte cinematográfica de la crítica internacional, Psicosis también ha sido aclamada como una de las películas de terror más eficaces. Se trata de una película en la que cada escena es casi legendaria, y muchas han sido copiadas o hecha parodias. La película dio lugar a varias secuelas y un remake, que generalmente son vistas como obras de menor calidad.
"La Escena de la Ducha" ha sido estudiada, debatida, y citó innumerables veces en forma impresa y en cursos de cine con mucho debate sobre por qué es tan aterradora y la forma en que se produjo, incluyendo cómo pasó la censura y el debate sobre quién realmente la dirigió.
Esta es la película, seguramente, más famosa de Alfred Hitchcock, además de la más terrorífica, aunque el propio director la calificara como una comedia. Psicosis era una novela de poca tirada de un escritor apenas conocido, Robert Bloch. Este escritor pasaría del anonimato a la fama cuando Hitchcock leyó su novela, compró los derechos y la llevó al cine, no sin problemas, ya que al principio iba a ser una película producida por la Paramount, dejó de serlo en el momento en el que los dirigentes tuvieron la novela y decidieron no producirla. Hitchcock se había quedado sólo con un proyecto en el que apostaba firmemente pero en el que nadie creía, por lo que decidió financiarla el mismo. Con un equipo televisivo, actores no muy conocidos y mucha voluntad, filmó una película impresionante que rompería taquillas y que, años más tarde, se convertiría en una de las películas mejores del cine.
Rodada en blanco y negro para aumentar el ambiente sombrío de la historia, Psicosis es una película pura en la que el espectador no sólo queda aterrorizado por la historia y sus consecuencias, sino también maravillado por la música, fotografía e interpretaciones. Objeto de muchas versiones, remakes e imitaciones, Psicosis ha sido siempre una película vanguardista que cambió en su día radicalmente, el cine de terror. Recibió cuatro nominaciones al Oscar, correspondientes a las categorías de mejor director, actriz secundaria, fotografía en blanco y negro y decoración en blanco y negro.
Comentario:
Un clásico imperecedero que destila cine puro por los cuatro costados y con el que Hitchcock consiguió, a partir de una historia sencilla, unos personajes poco atractivos y un guión que hasta se podría clasificar de convencional una apasionante obra visual que alcanza las más altas cotas de emoción mediante el uso de la técnica exclusivamente y la inventiva visual que tanto caracterizó la carrera de uno de los directores que más principios de cómo narrar cinematográficamente ha aportado en la historia del cine.
Cine debate" Pelicula Satanas"
UNIVERSIDAD CRISTIANA LATINOAMERICANA
ESCUELA DE COMUNICACIONES
APRECIACION CINEMATOGRÁFICA
SEPTIMO SEMESTRE
VERÓNICA ARANDI
CINE DEBATE:
PELICULA SATANAS
Antecedentes
El término Cine de Colombia o cine colombiano se refiere, en un sentido amplio, a las producciones cinematográficas realizadas en Colombia o consideradas colombianas por otras razones. El cine colombiano, como cualquier cine nacional, es un proceso histórico con una dimensión industrial y artística.
El cine colombiano no ha logrado ser rentable como industria a lo largo de su historia, lo que ha impedido que exista continuidad en la producción y en el empleo de realizadores y técnicos. Durante las primeras décadas del siglo XX existieron algunas compañías que intentaron mantener un nivel constante de producción pero la falta de apoyo económico y la fuerte competencia extranjera terminaron por malograr las iniciativas. En los años 1980 la recién creada Compañía de Fomento Cinematográfico (FOCINE) de carácter estatal, permitió que se realizaran algunas producciones. Sin embargo, la compañía tuvo que ser liquidada a principios de los años 1990. En la actualidad se vive una creciente actividad cinematográfica gracias a la Ley de Cine aprobada en el año 2003 que ha permitido que en el país renazcan las iniciativas alrededor de la actividad cinematográfica.
ARGUMENTO:
Satanás es una película colombiana dirigida por Andy Baiz, ganadora del premio a Mejor Actor y Mejor Película en el Festival International Des Espoirs Du Cinéma, en Mónaco.
Es el primer largometraje de Baiz estrenado en junio de 2007 y protagonizado por el actor mexicano Damián Alcázar; está basado en el libro de Mario Mendoza que a su vez se basa en los hechos ocurridos en el restaurante El Pozzeto de Bogotá donde el 5 de diciembre de 1986 un ex combatiente de la guerra de Vietnam llamado Campo Elías Delgado masacró a varias personas que se encontaban en el lugar después de haber asesinado a su madre y a otras personas cercanas a él.
Satanás es el primer largometraje de Baiz estrenado en junio de 2007 y protagonizado por el actor mexicano Damián Alcázar; está basado en el libro de Mario Mendoza que a su vez se basa en los hechos ocurridos en el restaurante El Pozzeto de Bogotá donde el 5 de diciembre de 1986 un ex combatiente de la guerra de Vietnam llamado Campo Elías Delgado masacró a varias personas que se encontaban en el lugar después de haber asesinado a su madre. La película recibió el galardón a mejor película y mejor actor en el Festival de Cine de Montecarlo,[4] en Colombia ha recibido varias críticas favorables y algunas desfavorables[5]
ESCUELA DE COMUNICACIONES
APRECIACION CINEMATOGRÁFICA
SEPTIMO SEMESTRE
VERÓNICA ARANDI
CINE DEBATE:
PELICULA SATANAS
Antecedentes
El término Cine de Colombia o cine colombiano se refiere, en un sentido amplio, a las producciones cinematográficas realizadas en Colombia o consideradas colombianas por otras razones. El cine colombiano, como cualquier cine nacional, es un proceso histórico con una dimensión industrial y artística.
El cine colombiano no ha logrado ser rentable como industria a lo largo de su historia, lo que ha impedido que exista continuidad en la producción y en el empleo de realizadores y técnicos. Durante las primeras décadas del siglo XX existieron algunas compañías que intentaron mantener un nivel constante de producción pero la falta de apoyo económico y la fuerte competencia extranjera terminaron por malograr las iniciativas. En los años 1980 la recién creada Compañía de Fomento Cinematográfico (FOCINE) de carácter estatal, permitió que se realizaran algunas producciones. Sin embargo, la compañía tuvo que ser liquidada a principios de los años 1990. En la actualidad se vive una creciente actividad cinematográfica gracias a la Ley de Cine aprobada en el año 2003 que ha permitido que en el país renazcan las iniciativas alrededor de la actividad cinematográfica.
ARGUMENTO:
Satanás es una película colombiana dirigida por Andy Baiz, ganadora del premio a Mejor Actor y Mejor Película en el Festival International Des Espoirs Du Cinéma, en Mónaco.
Es el primer largometraje de Baiz estrenado en junio de 2007 y protagonizado por el actor mexicano Damián Alcázar; está basado en el libro de Mario Mendoza que a su vez se basa en los hechos ocurridos en el restaurante El Pozzeto de Bogotá donde el 5 de diciembre de 1986 un ex combatiente de la guerra de Vietnam llamado Campo Elías Delgado masacró a varias personas que se encontaban en el lugar después de haber asesinado a su madre y a otras personas cercanas a él.
Satanás es el primer largometraje de Baiz estrenado en junio de 2007 y protagonizado por el actor mexicano Damián Alcázar; está basado en el libro de Mario Mendoza que a su vez se basa en los hechos ocurridos en el restaurante El Pozzeto de Bogotá donde el 5 de diciembre de 1986 un ex combatiente de la guerra de Vietnam llamado Campo Elías Delgado masacró a varias personas que se encontaban en el lugar después de haber asesinado a su madre. La película recibió el galardón a mejor película y mejor actor en el Festival de Cine de Montecarlo,[4] en Colombia ha recibido varias críticas favorables y algunas desfavorables[5]
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